La imagen es casi una alucinación, y los colores vibran con una intensidad tan deslumbrante que parecen distorsionar el lienzo.

El término Op Art aparece en la literatura crítica del arte contemporáneo a mediados de los años 60. Surgió tanto de los círculos críticos como de las revistas Time y Live, que realizaron varios artículos sobre el tema, finalmente el término fue aceptado y difundido.

Varios autores incluyen el Op Art dentro de la tendencia del arte cinético. Dentro de este arte se recogen diversas manifestaciones de autores que venían experimentando en ese sentido desde finales de la guerra. Podemos destacar la labor de Joseph Albers como antecedente del Op Art y esas interacciones que realizaba del color.
Pintores europeos, como Bridget Riley y Víctor Vasarely, adoptaron a su manera la tendencia pospictórica. Los cuadrados y los círculos con gradación de colores de Stella y Noland presentaban un aspecto controlado matemáticamente, mientras que Riley y Vasarely utilizaron líneas onduladas, estructuras geométricas y combinación de colores deslumbrantes.
La relación establecida entre la imagen y su fondo daba una sensación de movimiento, denominadas Arte Óptico, carecen de un significado evidente y parece que su único objetivo sea la desorientación visual. Esto no provoca una desintegración total, sino que la imagen continúa formándose de nuevo ante nuestros ojos.

El arte óptico es, sobre todo, un arte abstracto, basado muchas veces en figuras geométricas, que explora sobre todo las posibilidades de la luz y el color, para producir sensaciones ópticas, visuales, de tipo dinámico. Arte, sobre todo, ilusionista.
Se trata de crear una ilusión visual, por tanto, conceptos como óptico, visual, retinal, sirven par descubrir estas obras.

El arte Op desembocó en el arte cinético (tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El nombre tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación que existe entre los cuerpos y las fuerzas que sobre ellos actúan), estas obras cinéticas estaban compuestas de partes móviles que se ponían en movimiento por medio de corrientes de aire o de un mecanismo. A veces un haz de luz reflejaba los movimientos sobre una pared o una pantalla; otras veces el espectador tenía que participar en el funcionamiento del mecanismo.

En contraste con la obra de los pintores coloristas, la superficie no permanece inerte, sino que se ondula con energía muscular. Algunos cuadros llevan al espectador hacia adentro, dentro de un túnel que siempre retrocede, otros parecen flotar hacia él, saliendo desde la pared, en golpes de luz.

A la hora de entender el trabajo de estos artistas hay una serie de términos ineludibles: vibración, oscilación, variación, ritmo, tensión, contraste, oposición y repetición (muy utilizada posteriormente en el arte mínimal).
Utilizan como recurso plástico, por ejemplo, las ondulaciones de las líneas, creando así uno de sus efectos visuales, utilizaban telas que la propia textura daba sensación de movimiento. También utilizan los valores no tanto expresivos del color, como sus relaciones entre sí, para crear sensaciones ópticas. De igual forma, vamos a encontrar superposición de formas, líneas y colores, creando una trama que crea sensaciones dinámicas cuando el espectador se mueve ante la obra. Otro recurso es la luz, entendida como un elemento plástico, de modelación del espacio y de las formas.

Todos los artistas ponen especial énfasis en el fundamental papel del espectador, del que se espera su participación activa, para activar la obra, en cierto sentido, (ante obras estáticas) el espectador debe moverse, observarla desde distintos puntos de vista, transformando y modificando la obra de arte mediante esos desplazamientos, o por su intervención directa en la misma (invitando a accionar las máquinas, a modificar los módulos que las forman).

También utilizan el recurso del happening (método artístico que se basa en acciones improvisadas hechas por el artista a modo de “collage“, creando espacios donde el público se mueve con libertad, y donde su participación sea lo más directa posible). Para estos artistas, las obras eran objetos potencialmente activos, que debían ser animados por el propio espectador.

Existen dos exposiciones importantes, que marcarán el inicio y desarrollo máximo del arte cinético y del arte óptico.
La primera de ellas en 1955, en París, en la galería de Denís René, y que se considerará el arranque del arte cinético. En ella estaban la mayor parte de los autores que desarrollarán esas tendencias: Marcel Duchamp, Jesús Rafael Soto, Calder y Tinguely entre otros. La importancia de esta exposición radica también, en la demostración del nuevo renacer de las exposiciones realizadas por esta galería de gran fama mundial.
La otra exposición se celebró en 1965, en el MOMA de Nueva York, organizada por William Seitz (conservador de arte contemporáneo). Bajo el título El ojo sensible, “The responsive eye”, la exposición recogió obras tanto de Julio Lapac, Cruz Díez como de artistas norteamericanos abstractos. Se trataba de fusionar el trabajo realizado por algunos abstractos americanos, con sus contemporáneos europeos. En este sentido, y sobre todo por esa mezcla de tendencias, la exposición fue contestada negativamente por la crítica especializada del momento.

Si observamos el sentido de este arte, y pensamos que la obra de arte puede moverse, ¿Qué necesidad hay de tener un objeto de arte? La participación del espectador en el arte ha dado un paso más y ahora se presenta como obra de arte de una actuación, una pieza de teatro o un happening. Todo esto nos lleva a sumergirnos en los objetos Dada y a las representaciones de cabaret de los años 30.

...por Raquel Torres