La obra de Fernández fue recibida con entusiasmo ya que se vinculaba profundamente al sentir popular español.

En gran medida las guerras y deudas, los largos periodos de sequías e inundaciones, las malas cosechas y la baja poblacional por las epidemias y hambrunas, que habían dejado al país derrotado y en bancarrota, intensificaron la religiosidad y el misticismo en la España del XVII.

Gregorio Fernández, escultor español del siglo XVII, fue discípulo de Francisco del Rincón, ligado al círculo de Juni y de Pompeyo Leoni. Su vida transcurrió dentro del ambiente del gremio artesanal y llegó a convertirse en un escultor solicitado y famoso. Tenía un carácter colérico, debido posiblemente a una tuberculosis crónica. También estaba marcado por una profunda religiosidad: oraba y realizaba obras caritativas. La fama de sus trabajos le permitió tener un taller bastante grande, dotado de numerosos oficiales. Sin embargo, en múltiples encargos se especificó que la obra se hiciese de su mano.

La obra escultórica de Fernández se enmarca dentro del barroco español de la Contrarreforma y cubre el primer tercio del siglo XVII. Sus esculturas, caracterizadas por el movimiento de sus formas, el naturalismo y el claroscuro, exhiben un vitalismo patente que ahonda en las pasiones y conflictos espirituales de los personajes representados. A partir del conocimiento detallado del cuerpo humano, el artista dotó a sus esculturas de notable realismo: la dureza de los huesos, la tensión muscular, la blandura de la carne o su suavidad son algunas de las cualidades de su obra. De la misma forma trabajó los cabellos, las barbas y los mechones, semejando un estado de humedad. En contraste, los ropajes de Fernández son angulosos y duros, como acartonados, produciendo fuertes contrastes de luz y sombra. La policromía, elaborada por sus colaboradores, suele tener carnaciones mates suaves y telas de colores lisos. La técnica escultórica se basa en la talla en madera y el modelado.

El “Cristo Yacente” de Fernández representa al personaje semidesnudo y recostado sobre un sudario, con la cabeza y parte del tórax sobre una almohada. Los brazos son separados del cuerpo; una mano se halla abierta y la otra cerrada. El rostro muestra ojos y boca entrecerrados, mientras los cabellos se ordenan simétricamente. El cuerpo desnudo de Cristo exhibe una hinchazón propia de la muerte y su disposición está dada lateralmente. Para mantener la diagonal en la composición, la cabeza se inclina hacia un lado y la pierna contraria está ligeramente levantada. En la obra se hace patente la intención del rostro patético, que impulsa la inserción del espectador en la obra. Además, las marcas mórbidas de las heridas y la sangre que brota son manifestaciones del notable patetismo que Fernández supo representar.

Iconográficamente, Fernández aporta una innovación: el “Cristo Yacente” es representado sin los personajes secundarios, propios de la temática del Entierro. Así, la tensión dramática del momento se centra en la representación realista de Cristo y su expresividad. Este nuevo motivo correspondió al gusto de la época y las copias que siguieron el modelo y estilo de Fernández fueron frecuentes después de su muerte.

...por Paola Miyagusuku